Diseño minimalista y sustentable
Jaime Ángeles Ramírez
Jaime Angeles-Trabajo Final
on 2/1/10Art & Language-trabajo final. M.Patricia Reyes
Maestría en Creatividad para el Diseño
Paradigmas Estéticos
Octavio Mercado
Durante el siglo XIX las puestas en escena tienen un predominio del realismo y el naturalismo, mientras tanto en el siglo XX se cambió de rumbo de manera drástica, sin seguir las vías que en su momento las corrientes de vanguardia exploran desde la pintura, desde donde indican los caminos a seguir, el teatro sin embargo tiene una evolución distante por diferentes circunstancias como: la hibridación que tuvo desde el barroco, tomando aspectos de la artes plásticas, de la literatura y la arquitectura. Es importante destacar el hecho del nacimiento del teatro en la antigüedad como parte de un rito, durante la época romana comienza a tener un fin de entretenimiento a pesar de su competencia con los espectáculos del circo romano, pero es hasta el nacimiento de la ópera como espectáculo que el teatro tiene una evolución mucho mayor, tanto en el texto dramático, como en las técnicas de actuación y escenográficas, durante el romanticismo se llega hasta el naturalismo que se mantiene durante el siglo XX, con la aparición de la tragedia moderna, donde encuentra un terreno fértil en Estados Unidos con autores tales como: Eugene O´Neill y Arthur Miller; el naturalismo le dará vida de manera importante a este género dramático, lejano de la tragedia clásica. En esta pequeña fisura vamos a encontrar por otro lado las propuestas escénicas contemporáneas a casi 100 años de distancia, de una ya desgastada y vieja vanguardia, representada por: la épica de Bertolt Brecht, El antiteatro de Luigi Pirandelo, el existencialismo de Jean-Paul Sartre, el teatro de la crueldad de Antonin Artaud y el teatro del absurdo en el lenguaje de Eugéne Ionesco, en la vida de Samuel Beckett y el teatro ritual de Jean Genet, tanto a nivel de puesta en escena como en el texto dramático. Sin embargo a nivel escenográfico los precursores son Adolphe Appia y Gordon Craig, un hecho peculiar es la evolución del edifico arquitectónico a finales del siglo XIX, se comenzaban a preocupar por la relación entre espectadores y actores, es decir un espectáculo multidimensional. El rumbo del espacio escénico también cambia: pasando del realismo al naturalismo, para tratar de llegar a las abstracciones y estéticas expresionistas, buscando la liberación del espacio vació o utilización de cámaras negras, donde se abre una pregunta importante ¿qué fue en realidad lo que desencadeno la utilización y legalización del espacio vacío dentro de la puesta en escena? El edificio teatral pasa de un esquema tradicional de puestas en escena a la italiana, que domino desde la época romana hasta principios del siglo XX, es precisamente en este momento cuando se transforma el edificio de acuerdo a las nuevos requerimientos, sin embargo más allá de 1942 se estanco el auge en la arquitectura teatral, en un principio Jacques Copeu alrededor de 1913 elimina las divisiones entre escenario y público, después Mies Van der Rohe, con su teatro total cambia la perspectiva de la arquitectura, hasta hoy en día el teatro total no ha podido superarse mucho menos construir una edificación con las características y sistemas propuestos en un principio por Mies van der Rohe, llegando a ser tan complejos, como sería en la actualidad para la realización de puestas en escena multimedia, con espacios escenográficos realizados por hologramas, pantallas de 360° cambios espaciales en la misma puesta que van desde el arena, al tradicional, multidimensional.
Las definiciones estéticas de las corrientes en la pintura o literatura no se aproximan a las propuestas teatrales, de manera precisa, existe un distanciamiento importante, las corrientes pictóricas influyen a la escenografía, pero no a la propuesta estética del montaje final. Durante parte del siglo XX los diseños escenográficos se vieron intervenidos por pintores como: Kasimir Malevich, Vasily Kandinsky, Oskar Schelemer, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Jean Cocteu; este último más relacionado con hechos teatrales y operísticos, debido a su intervención desde la dirección y la dramaturgia, irónicamente por su perfil como creador, es alguien que tiene una gran amplitud de campos de incursión, en su momento y hoy en día no se le ha dado un valor importante en el mundo del teatro, sin embargo es una de los artistas importantes que logran conjuntar la vanguardia con la tradición, basta recordar sus ópera “Edipus Rex” con música de Igor Stravinsky y textos de él mismo en latín (existe una versión escrita en ingles).
Todos los artistas plásticos logran imprimir su sello personal a los diseños tanto de escenografía como de vestuario, para teatro, ópera o danza, esta última es la más recurrente para ellos, de gran aceptación por parte del público y admiradores de los artistas plásticos, puesto que los diseños funcionan únicamente como decorados teatrales, por el tipo de movimientos y trazo escénico, lo mismo sucede con la ópera, durante los últimos 40 años aproximadamente, se comenzó a utilizar un trazo escénico para los cantantes, interactuando cada vez más con el espacio escenográfico, antes se mantenían estáticos los personajes principales, las comparsas eran las únicas que recorrían el espacio, en este contexto podemos ver que la aportación de los artistas fue importante dándole vitalidad a las estéticas. La escenografía se nutre de una serie de ramas artísticas de diferente índole para poder desarrollar un diseño específico, básicamente de la pintura y la arquitectura, pero irónicamente no es una disciplina autónoma, se sustenta en un texto, este último le da validez a cualquier propuesta, se apegue o no a todas las necesidades del dramaturgo, porque son importantes: la función del espacio escenográfico con la relación de tono, ritmo, momento histórico y visión del director. Es hasta los últimos 40 años que ha buscado la escenografía su independencia, por parte de los escenógrafos de manera relevante, incluso se ha llegado a superar la jerarquía del director como creativo.
Al revisar las corrientes importantes de la vanguardia histórica podemos observar una nula relación con las estéticas teatrales; un hecho importante que define al teatro y no hemos descrito hasta el momento, es que el teatro siempre ha funcionado como espectáculo multidisciplinario, es acción, un hecho efímero, solamente existe en el momento de la representación misma, la escenografía, el espacio teatral sin uso, la actuación, el vestuario, el texto dramático por si mismos no existen, por esa razón cuando se encuentran desarticulados, etiquetados bajo una estética de vanguardia funcionan, pero al momento de unificarlos en el hecho teatral se redirige en una estética diferente, por esa razón el atrevimiento a decir que persiguen un rumbo distinto…
Todas las corrientes sin embargo van a llegar a influir al teatro en mayor o menor grado, de esta manera podemos referirnos de primera mano al impresionismo que no llega a tener mayor relevancia en las corrientes teatrales, de la misma manera podemos señalar al fauvismo, que en la actualidad se utiliza como un estilo de pintura escénica, no de puesta en escena. El simbolismo sin embargo si es importante, porque Maurice Maeterlinck es el primer escritor simbolista, de la misma manera que el Alfred Jarry, más adelante veremos con detenimiento este caso. La primera corriente importante con influencia no únicamente en la escenografía y dirección dentro del teatro y del cine fue el expresionismo alemán, hoy en día sigue siendo un referente importante en las neovanguardias por esa reconstrucción de la realidad expresando la angustia del mundo interior, al momento de ver nuestro entorno, cuando producimos o percibimos obras con un carácter artístico. El cubismo no se encuentra ajeno en las estéticas de la puesta en escena, al intentar representar la realidad por medio de la geometría, involucrando una cuarta dimensión (el tiempo), se verán sus repercusiones con Wasily Kandinsky y su concepción alrededor del teatro, las aportaciones más importantes son los trabajos realizados por Pablo Picasso para algunas puestas en escena ya que no necesariamente se ciñen a una estética cien por ciento cubista. Por otro lado el futurismo contempla de manera directa al teatro como parte de la corriente, Marinetti en el manifiesto futurista habla de un teatro sintético es decir: en un lapso de tiempo muy reducido se deben atrapar situaciones, ideas, sensaciones y símbolos, estos últimos herencia del simbolismo de Maurice Maeterlinck, por primera vez el teatro experimenta transgresiones a la tradición, sobre todo para danza y es importante una obra ideada por Marinetti en la cual el telón únicamente se mantenía unos centímetros arriba del escenario permitiendo ver las piernas de los actores, existen otras obras de autores como Arnaldo Corradini, Francesco Cangiullo, Paolo Buzzi, tenían una duración demasiado breve, solo unos minutos y una extensión en el texto de un par de páginas, lamentablemente nunca fueron aceptadas dentro del ámbito teatral, muchas de las experimentaciones hechas por el futurismo transitan en las propuesta contemporáneas, pero irónicamente afectaron de manera directa al diseño escenográfico como fue el caso del arquitecto Fredick Kiesler quién explora en todas las vanguardias de la época en el diseño de escenografía, de las cuales sobre sale “Rossum’s Universal Robots” de Karel Capek, cuyo decorado es una mezcla de futurismo y expresionismo que va a repercutir en el cine con “Metropolis”, “Tiempos modernos” y “El gabinete del doctor Calgari. Tanto por la utilización de materiales, recursos escenográficos y lumínicos innovadores, jamás utilizados hasta ese momento. El surrealismo basado en lo onírico, donde los sueños forman parte de una nueva realidad, provoco obras de difícil montaje, por dificultades técnicas, no de recursos, el dramaturgo podía darle rienda suelta a su imaginación, respetando siempre la unidad aristotélica, cabe recordar que “El público” de García Lorca es la obra surrealista por excelencia, es importante señalar que el cine, finalmente se convierte en una prótesis mental capaz de reproducir una realidad con características oníricas, el montaje aún hoy en día no ha logrado alcanzar el nivel del cine, a pesar de la utilización de elementos de multimedia y nuevas tecnologías, insertadas en los hechos teatrales contemporáneos; la escenografía se ve influenciada por la estética surrealista, tanto que hoy en día sigue siendo utilizada de manera recurrente en las puestas en escena, y se le relaciona más con el teatro del absurdo.
El suprematismo de Kasimir Malevich en la ópera “Victoria sobre el sol” (1913-1914), abre un nuevo camino para las artes escénicas en general, el 2° acto y su 5° decorado reduce el espacio escénico a un telón de fondo en el cual aparece únicamente un rectángulo dividió diagonalmente en un triángulo negro y uno blanco, anunciando por un lado la evolución hacia el suprematismo con el cuadrado negro, sobre fondo blanco y blanco sobre blanco alrededor de 1927 y por otro lado la utilización de cámara negra o blanca en el teatro, en palabras de Kasimir Malevich:
Cuando en el año 1913, en mi afán desesperado por liberar al arte del lastre de lo objetivo, huí hacia la forma del cuadrado y expuse una pintura que no representaba otra cosa que un cuadrángulo negro sobre una superficie blanca, la crítica y con ella la sociedad, suspiraron: “Todo lo que hemos amado se ha perdido: estamos en un desierto (…) ¡Ante nosotros hay un cuadrado negro sobre un fondo blanco”. Para la crítica y la sociedad, el cuadrado aparecía como algo incomprensible y peligroso (…) y no se podía esperar otra cosa.*
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*Malevich, Jeannot Simmen, Kolija Kohlhoff, ed. Könemann, 1999.
Pag. 46________________________________________________________________________________
Hoy en día tiene consecuencias importantes en las teorías de tipo ambientalistas de Richar Schechner, puestas en escena de Eugenio Barba, pero también de Jersei Grotowski con su teatro pobre y en los trabajos de Peter Brook, en su momento fue algo incomprensible en la actualidad es algo cotidiano.
La legalización dentro del campo teatral se da por medio de la crítica para la cual existe un decálogo y reglas para los espectadores, de igual manera para la dramaturgia. Uno de los pilares importantes del teatro es la existencia de un conflicto, es decir una lucha entre dos fuerzas, razón importante que margina propuestas hechas durante el futurismo como ya se vio, aquí lo importante es saber que a raíz de esta decisión demasiado polémica por parte de los conservadores del teatro para considerar un testo dramático, trae como consecuencia corrientes que se van hacia la experimentación como el caso del performance, happening, meta textos teatrales y pre formativos. La crítica surgió en el momento en que se comienza a hacer teoría teatral, esto es alrededor de 1775 con Samuel Johnson cuando dicta que las leyes del drama las imponen los patrocinadores y durante el romanticismo Johann Wolfang von Goethe con sus tres preguntas da la valoración artística, comienza a sentar las bases de la crítica contemporánea.
Las teorías escenográficas comienzan a evolucionar de manera importante desde finales del siglo XIX con la corriente francesa del duque de Saxe-Meinigen, es el pionero de la dirección escénica, propone nuevas bases teóricas de la composición espacial y visual, en ese momento la escenografía que ya existe se le llama decorado teatral; el término evoluciona junto con otras consideraciones hasta tener el carácter contemporáneo de diseño y sobre todo el diseño escenográfico exornativo; cuya importancia radica en el diseño exclusivo de escenografía para cada montaje que es irrepetible, considerando al escenógrafo como creador, incluso llega a tener consecuencias importantes en la relación con el director de escena. El duque Saxe-Meinigen recomienda que el decorado teatral debe de ser expresivo y no únicamente un adorno en la puesta en escena, junto con las ideas de André Antoine sobre la cuarta pared alrededor de 1870, se trabajan diseños escenográficos realistas, incluso el naturalismo gana terreno y el edificio teatral se utiliza de manera eficiente. Pero es hasta finales del siglo XIX con Adolphe Appia escenógrafo y teórico suizo, cuando se valora la escenografía como un objeto artístico, por la unidad plástica resultante al generar diferentes planos y niveles que permiten a la luz convertirse en un elemento primordial en el diseño escenográfico. Influenciado por sus ideas aparece en Inglaterra Gordon Craig, escenógrafo y teórico, que le da importancia a la luz y al color en la escena, propone salir de las puestas realistas, al evitar reproducciones fotográficas de la realidad en el escenario, expone por otra parte el concepto del teatro como una obra total en la que deben fundir: “acción, palabra, línea, color y ritmo”, junto con George Fuchs y Appia constituyen la santísima trinidad del nuevo teatro. George Fuchs teórico y director, es el primero en proponer durante los primeros 5 años del siglo XX que el escenario y la sala de espectadores deben ser un solo espacio teatral; esto formo parte importante del acervo ideológico de la Bauhaus. Para George Fuchs la relación existe por la pasión colectiva construida por los espectadores y los actores, imagino algunos proyectos de arquitectura teatral, a partir de este momento se evoluciona más en la estética de la puesta en escena y en la legitimidad de los campos que aprueban los hechos teatrales y los validan, por medio de las representaciones en su momento un tanto radicales, por un lado y por otro con la aprobación de los sistemas políticos, como es el caso del teatro ruso, que tiene repercusiones importantes a nivel de teorías actorales y de dirección como lo fueron: Constantin Staanislavski, Vladimir I. Nemiróvich-Dánchenko, Vsevolod E. Meyerhold, Seguei Mijailovich Eisenstein. Otros teóricos sobre todo artistas plásticos como Filipo Marinetti, Basili Kandisnky y Oskar Schlemmer, van más por un camino de la composición plástica de la escenografía, vestuario y cuadros de la puesta en escena.
Finalmente debemos revisar la dramaturgia y la dirección hecha por los mismos autores que comenzaron a marcar una evolución dentro del teatro de vanguardia como se menciono al principio del ensayo:
A finales del siglo XIX uno de los primeros autores del teatro de vanguardia es Alfred Jarrry con “Ubu rey”, inaugurando un nuevo género teatral: la farsa, que va a encontrar un terreno fértil en el teatro del absurdo, en las propuestas dadaístas y surrealistas, dentro y fuera del teatro por su falta de realidad, se encuentran simbolizados los personajes. Sucede lo mismo con Maurice Maeterlinck quien rescata y le da una identidad nueva a un género olvidado: la tragicomedia, con su obra “El pájaro azul”, texto y montaje también nada realista. A partir de este momento comienza una carera desenfrenada con la épica de Bertolt Brecht que va traer consigo un nuevo género teatral: la obra didáctica, puesto que él decía: era importante enseñar desde el escenario, para lo cual utilizaba una serie de recursos tales como el distanciamiento, epílogos o intervenciones que generan una ruptura para no tener una identificación con los personajes, rompiendo todas las leyes establecidas para el teatro conservador, irónicamente las propuestas no superaron un tiempo histórico, representaban problemas de un momento espacio tiempo específico, fueron temas hoy universales, pero perdieron validez. Lo importante por otro lado es que la obscuridad del lenguaje va a enriquecer al teatro del absurdo y a nivel escenográfico, se busca una simpleza nunca antes vista. Después viene el antiteatro de Luigi Pirandello que con su obra “seis personajes en busca de autor” mezcla perfectamente lo irreal con lo real, explora la dualidad de la conciencia e inconsciencia, decía que el teatro y la realidad no podían juntarse, es una ruptura que confunde al espectador, sus descendientes directos son los existencialistas y los del teatro del absurdo. El existencialismo de Jean Paul Sartre demuestra que el hombre siempre debe tener una elección y es el responsable de las consecuencias de la misma, las obras fundamentales fueron “Las moscas” y “Sin salida”, algunos teóricos teatrales como Eric Bentley lo clasifican dentro del teatro del absurdo, por las agresiones contenidas en los textos, característica importante de las farsas, donde la realidad nos presenta un mundo bizarro y agresivo, no necesariamente físicas. El teatro del absurdo como consecuencia de los hechos sociales y políticos que desencadenaron en las dos guerras mundiales, según Martin Esslin autoridad en lo que se refiere al teatro del absurdo menciona dos líneas distintas: el del lenguaje de Eugéne Ionesco y el de la vida de Samuel Beckett, en ambos casos hablamos del caos de la realidad, de la soledad del hombre frente al mundo, y la fuerza de imágenes irrepetibles por las cualidades de los personajes y circunstancias recreados en un hecho teatral, en el caso de Samuel Beckett, hablamos también ya de la influencia del surrealismo dentro del hecho teatral, por la repetición de imágenes y de hechos fuera de cualquier realidad, para pasar de la mano al sacudimiento y conmoción del espectador con el teatro de la crueldad de Antonin Artaud, como vemos no es un hecho físico, acaso uno a nivel emotivo, relacionado también con los sentidos del espectador, abarcando temas abstractos y buscando únicamente experiencias estéticas cuyo fin es espiritual. El ritual en el teatro de Jean Genet donde el mal triunfa, presentado la enajenación de la gente, donde encuentra la belleza, ese reflejo de la realidad en sus personajes y la fe sustituida por la divinidad pervertida, son estos elementos los que dan una fuerza importante a sus propuestas, demasiado surrealistas, por la manera en la que se maneja un distanciamiento al terminar la obra entre el espectador y los hechos representados.
Como acabamos de ver los textos dramáticos de la vanguardia mantienen una influencia dentro de sí mismos, incluso sería válido atreverse a decir que nunca existió una vanguardia dentro del teatro después del simbolismo, discutimos alrededor de una repetición de esquemas ya establecidos y perfectamente legalizados por la crítica teatral, se relacionan con su momento histórico específico, la exploración dentro de la puesta en escena se va saturando a nivel de forma y efectos conforme avanzan del futurismo al expresionismo o viceversa, se satura el espacio llegando a los excesos basta recordar los diseños utilizados por el expresionismo alemán, hablamos de que la escenografía lentamente va transformándose del realismo al naturalismo y en elementos abstractos que llegan a un barroquismo nunca antes visto, probablemente esta saturación llevan por efecto de la ley del cansancio a una síntesis y lo podemos ver en las puestas en escena de la Bauhaus, quienes coquetean con ambas estéticas, durante toda la vida de la escuela, pero al mismo tiempo examinan una síntesis en representaciones más emotivas, nunca fueron consideradas dentro del campo teatral como obras con una trascendencia importante, no han dejado de ser experimentales en el mejor de los casos o estudiantiles, finalmente era la búsqueda dentro del arte abstracto la aportación fundamental de la escuela, la ruptura y el paso importante se da con la escuela rusa no dentro de la teoría teatral, es con el suprematismo, la utilización como se vio ya de una cámara negra, un paso previo al espacio vació, quitemos el telón decorado y coloquemos el de fondo; y por otro lado el teatro del absurdo de Samuel Beckett, en sus propuestas espaciales comienza a reducir hasta llegar al mínimo de elementos escenográficos y la cámara negra, el espacio vació, ya no el negro sobre blanco, el blanco sobre blanco: la luz en el espacio vacío es la materia primordial que colorea la representación teatral.
Bibliografía.
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Ceballos, Ceballos. “Principios de dirección escénica”, Ed. Gaceta-gobierno del estado de Hidalgo-DIF, México 1992.
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Gastón Breyer “la heurística del diseño”, Ed. Nobuko, Buenos Aires 2000.
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Kandinsky, Vasili. “Escritos sobre arte y artistas”, síntesis editorial, Madrid 1998.
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“más allá de las islas flotantes”, Ed. Saga, Argentina 2003
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Grotowski, Jerzei. “Teatro Pobre y ritual”. S XXI, México 1993
“hacia un teatro pobre”. S XXI, México 1995
Brooks, Peter. “The empty space”. Penguin books ltd(UK), 2008
Davis, Tony. “Escenógrafos, artes escénicas”, Ed. Océano, Barcelona 2003.
Katzman, Israel. “Cultura, diseño y arquitectura”, tomo II CONACULTA, México 2000.
Fielder, Jeanine y Feierabend, Peter editores, “Bauhaus”, Konemann, Madrid 2000.
Wright, Edward A., “Para comprender el teatro actual”, FCE, México 1992.
Craig, Gordon, “el arte del teatro”, Ed. Gaceta-gobierno del estado de Hidalgo-DIF, México 1987.
Cuadernos el picadero,” El espacio escénico”, Cuaderno n°4, Instituto nacional de teatro, dic 2004, Argentina.
lo siento, solo tomé 4 fotos...
on 13/12/09
Ensayo paradigmas estéticos.
on 10/12/09Alumno: Martín Francisco Cortés Bernal
Titulo del trabajo: La Bauhaus, la tecnología y las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. La técnica y el arte como generadores de diseño.
Objeto de estudio: La relación entre arte, diseño y tecnología.
Originalmente tenía la intención de encaminar el trabajo final sobre el legado que la Bauhaus ha dejado en las escuelas de diseño, ya que es con sus fundamentos filosóficos y sus técnicas de enseñanza, como el diseño se imparte y se lleva a la práctica en gran medida hasta nuestros días. Sin embargo, al empezar a documentarme para definir el ensayo, llamaron nuevamente mi atención los míticos personajes que la conformaron y decidí dar un nuevo enfoque al trabajo (que a mi parecer tiene mas que ver con la materia) y dirigirlo hacia estos últimos y hacia como las corrientes artísticas que representaban influenciaron la escuela, ya que en la Bauhaus se dieron cita varios de los protagonistas de los diferentes movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. Incorporando y elaborando algunas de las propuestas del impresionismo, del cubismo y del abstraccionismo de De Stijl.1
Un ejemplo de esto es Theo Van Doesburg, que impulsaba desde 1917, una teoría que pugnaba por una depuración de las formas que termina en una abstracción geométrica total, donde la composición formal queda reducida a los elementos fundamentales: la línea vertical y horizontal, los tres colores primarios, rojo, amarillo y azul y los tres valores de base, blanco, negro y gris.2
Con respecto a los diseños creados por y en este contexto se encuentran la silla Wassily de Marcel Breuer o el sillón Barcelona de Mies Van Der Rohe que han sido adaptados y copiados desde su aparición, estos se han convertido en íconos del diseño moderno por que su forma, materiales y procesos de fabricación les permiten cambiar y combinarse de distintas maneras y en diferentes espacios3, evolucionando en su momento, (junto con muchos otros de los diseños generados en la Bauhaus) la forma de concebir y producir los objetos.
La finalidad del trabajo es reflexionar sobre como el arte y el diseño transitan por caminos paralelos desde su definición como tales y de cómo la tecnología con sus avances es protagonista esencial dentro de estos campos.
1.-Comisarenco, Dina. Diseño industrial mexicano e internacional, memoria y futuro, pag. 94.
2.-Salinas, Oscar. Historia del diseño industrial, pag. 99.
3.-Comisarenco, Dina, op.cit., pag. 100.
cambio en el paradigma tipográfico
on 9/12/09MARTHA GAONA
TÍTULO: El cambio de paradigma tipográfico hacia los tipos sans serif.
OBJETO DE ESTUDIO: Durante las primeras dos décadas del S.XX se generalizó el uso de los tipos de letra sin patines, lo cual revolucionó el diseño gráfico y provocó que hasta las fecha los tipos de letra lineales sean los más utilizados e incluso considerados como más funcionales y legibles.
ARGUMENTO: A pesar de que los tipos de letra sans serif fueron introducidos a los catálogos de la fundiciones durante los años 1800’s, su uso en la comunicación impresa era limitado y considerado poco estético ya que en aquel entonces imperaba el estilo tipográfico de transición mayormente representado por los tipos de Baskerville o Bodoni.
Hacia finales del S.XIX se inician movimientos artísticos que proponen un diseño tipográfico más libre y audaz, en donde el dibujo de letras a mano alzada y con formas orgánicas cobra mayor importancia. Algunos de los ejemplos más claros de este cambio se observan en los carteles de Jules Chèret o de Henri de Toulouse-Lautrec. Sin embargo, todavía las grandes fundiciones, los tipógrafos y el público seguían considerando que las letras con patines eran más bellas y sobre todo legibles.
No fue sino hasta 1923 cuando de visita en una exposición de la Bauhaus en Weimar, el gran maestro Jan Tschichold quedó impresionado y de inmediato asimiló las influencias de esta escuela e incluso de los constructivistas rusos para así dar origen a la llamada “Nueva Tipografía”.
Rápidamente los planteamientos que Tschichold proponía fueron interpretados por toda una nueva generación de tipógrafos y diseñadores que tomaron estas ideas como el diseño funcional o la expresividad abstracta de los tipos de letra sans serif para diseñar nuevas propuestas tipográficas que aún son consideradas como íconos.
TÍTULO
Ambient Media : Los nuevos medios publicitarios por el renacer de las neovanguardias
OBJETIVO DE ESTUDIO
Reflexión sobre los nuevos medios publicitaros, en específico el Ambient MEDIA, que muestran cierta tendencia a retomar la forma en que operaba la obra en las neovanguardias.
ARGUMENTO
En la actualidad, la publicidad toma relativamente caminos nuevos para capturar un número elevado de consumidores, una estrategia que practica es colocar el mensaje en un espacio urbano. Los objetos que retoma para sus fines pueden ser variados, desde la bolsa de las compras hasta la fachada completa de un edificio.
El uso de piezas de diseño en el Ambient MEDIA, esta quizás planteado en otro momento histórico, algunos artistas que incursionaron como Isidro Meireles con "Yankees go home" de 1970 o Ligia Clark con "Bicho de Bolso" 1966 demuestran desde esa época de manera clara que el valor lo engendra la idea y no tanto la firma del creador, la técnica o el soporte mismo.
Además, crean obras hibrido; diseño y arte, donde su esencia es valida única y exclusivamente si existe una interacción entre humano y objeto, hecho que es básico para un Ambient MEDIA, si alguna de estas dos características falla su cometido es inútil.
Mi propuesta de ensayo pretende situar enfoques críticos que desplieguen semejanzas entre estos dos momentos; pasado-presente y, como ciertos rasgos de las vanguardias prevalecen en función, actualmente, de un mensaje con mayor impacto.
La pertinencia del tema radica en que actualmente la publicidad se está basando considerablemente en el arte contemporáneo y lo que hoy se exhibe en los museos , mañana se podrá observar en las calles como posible medio publicitario.
Sarahi Galicia
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LUIS PARRA / PARADIGMAS ESTÉTICOS
on 8/12/09
TEMA: JULIO RUELAS COMO EJEMPLO DEL SIMBOLISMO Y PRINCIPIO DEL SURREALISMO EN MÉXICO.
ALUMNO: LUIS PARRA
Antes de la influencia directa o indirecta del movimiento vanguardista europeo, México contaba ya con una serie de artistas cuya obra tenía tendencias similares a las requeridas por el movimiento surrealista de 1925.
Julio Ruelas (1870-1907), según declaraciones del autor Justino Fernández García es anticipador del surrealismo. Su pintura, "La domadora" 1897 parece ser el punto de coincidencia con el movimiento francés de muchas décadas después.
Su obra se resume en unas cuantas pinturas pequeñas; en las ilustraciones que hizo para la Revista Moderna (1903-1911), y en una serie de grabados al aguafuerte. En sus pinturas aparecen temas alegóricos llenos de interés, en donde la fantasía corre pareja con la observación sicológica o la reflexión filosófica. Las viñetas y demás ilustraciones que produjo la Revista Moderna forman una síntesis de sus preocupaciones fundamentales: el amor y la muerte, la opresión, la angustia y la desesperación. Así también se expresa en sus grabados, todos de primer orden. Términos acuñados por Apollinaire y posteriormente definidos por Breton para generar las características del movimiento pueden ser apreciados en la obra de Ruelas.
Me interesa entender y puntualizar los rasgos en la obra de Ruelas los cuales a pesar de ser clasificados dentro del movimiento Modernista generaron un corte paradigmático del simbolismo hacia los elementos de vanguardia surrealista.
De la misma manera pretendo entender a través de las definiciones de Kuhn aquellos cambios presentes a nivel pictórico y cultural dentro del campo artístico mexicano que lograron hacer de Ruelas un simbolista alejado del academicismo y precursor del surrealismo.
Windows 7 te la pone aún más fácil a ti, que eres estudiante
Título del trabajo: Hay dos opciones:
* Cambio de paradigma generacional de MTV
* La tecnología como una nueva estructura productiva de la industria cultural.
Alumno: Miguel Rangel López
Objeto de estudio No.1: La incursión de la tecnología como un cambio de paradigma de la difusión y promoción de productos y servicios que influencían nuestros pensamientos, dogmas, creencias o formas de vivir.
Objeto de estudio No. 2: Análisis del antes y después del canal de televisión MTV y de los bloqueos cognitivos generados por la presentación de imágenes, que emite a sus televidentes y la forma en cómo se convierten en conductistas.
Objeto de estudio 1
Actualmente vivimos en la era de la información, donde la creación, distribución y manipulación de la información forman parte importante de las actividades económicas, culturales, mediales, entre otras; cuya piedra angular es la tecnología, especialmente la internet.
Neil Postman concibe estadios de desarrollo tecnológico de un estado-nación: el primero son las “tools using cultures” (culturas usadoras de tecnología), en la cual el desarrollo tecnológico está supeditado a las creencias, dogmas de una cultura. Para implementar un avance tecnológico su uso debe estar en armonía a los valores del tiempo, de lo contrario es rechazado y censurado. El mejor ejemplo es en la edad media, donde cada invento, descubrimiento y teoría no podía estar en contra del sesgo de la Iglesia Católica, cualquier intento era prohibido y atacado. Como el caso de Galileo Galilei.
Actualmente vivimos en la era de la información, donde la creación, distribución y manipulación de la información forman parte importante de las actividades económicas, culturales, mediales, entre otras; cuya piedra angular es la tecnología, especialmente la internet.
Neil Postman concibe estadios de desarrollo tecnológico de un estado-nación: el primero son las “tools using cultures” (culturas usadoras de tecnología), en la cual el desarrollo tecnológico está supeditado a las creencias, dogmas de una cultura. Para implementar un avance tecnológico su uso debe estar en armonía a los valores del tiempo, de lo contrario es rechazado y censurado. El mejor ejemplo es en la edad media, donde cada invento, descubrimiento y teoría no podía estar en contra del sesgo de la Iglesia Católica, cualquier intento era prohibido y atacado. Como el caso de Galileo Galilei.
Objeto de estudio 2
La MTV considerada la mayor fuerza de la cultura del pop, «su combinación de vídeos musicales y comentarios irreverentes de sus jóvenes y telegénicos video‐jockeys con la promoción de conciertos de rock y noticias y documentales sobre grupos y cantantes, garantizó que la cadena se hiciera popular entre el público joven». En la MTV la música comparte el protagonismo con una programación llena de realities diseñados para «satisfacer las necesidades» de su audiencia y con un flujo constante de información «útil» ofrecida a través de las vidas de gente corriente. Hoy es, sin duda, la principal institución de promoción de la cultura pop/rock en el mundo.
«El modelo para esto [la MTV] fueron los espectáculos teatrales ofrecidos por Richard Wagner, en los que se llevaba al público a una especie de éxtasis que luego fue usado conscientemente por los nazis al crear sus propias celebraciones simbólicas, como las reuniones en Nuremberg.» Los especialistas del lavado de cerebros que crearon la MTV eran muy conscientes de su efecto. En un libro sobre la cadena, Rockíng Around the Clock, E. Ann Kaplan afirma que la MTV «hipnotiza más que cualquier otra [televisión] porque consiste en una serie de textos cortos que nos mantienen en un estado constante de emoción y expectación... Nos quedamos atrapados en la constante esperanza de que el siguiente vídeo nos satisfará por fin. Seducidos por la promesa de la plenitud inmediata seguimos consumiendo infinitamente esos textos cortos».
Todo se ha diseñado así de forma absolutamente intencional. Marshall McLuhan, teórico de la comunicación y experto en la persuasión en la cultura popular, se refiere a este efecto como el «poder disociativo de la televisión». L. Wolfe afirma que «la combinación de la música [repetidamente] con imágenes [con frases repetitivas] ayuda a cortocircuitar cualquier pensamiento al presentar una representación literal del mensaje musical, negando así cualquier necesidad de lógica». Durante los cuatro minutos que dura aproximadamente un vídeo musical (los científicos del Tavistock determinaron que cuatro minutos era lo máximo a lo que un sujeto involuntario era susceptible de recibir los mensajes contenidos en los propios programas), «una realidad artificial en la forma de “contrapuntos” se inserta en la conciencia, sustituyendo a la realidad cognitiva. Una mirada como de trance a través de la cual uno recibe mensajes e imágenes que no cuestiona. No hay tiempo para la reflexión, no hay tiempo para pensar, pues las percepciones desbordan los sentidos y enturbian los poderes cognitivos de la mente y despiertan en los espectadores un frenesí irracional. Allí donde no hay razón, no puede haber moral».8 Y eso ha sido buscado intencionalmente.
Hago referencia a Lyotard que dice que el “posmodernismo” implica un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XXI, definidos por su oposición o superación del modernismo, es decir, manifestaciones culturales que desean introducir un paradigma a la sociedad. Éste defiende la hibridación, la mixtura de culturales en donde podamos disfrutar de la miel de cada una. Se tiende a cambiar todas las áreas de una sociedad y a integrarlas con otras, para crear otro “big bang” cultural.
(Abstract del tema elegido a desarrollar en la clase de Paradigmas Estéticos)
Remedios Varo. Viajar cuestionando.
En manos de Remedios Varo, mujer, española y exiliada en México, la vanguardia surrealista tomó una dirección inesperada. Los estímulos diversos que un país lleno de colores y creencias mágicas, la adaptación a una cultura tan distinta a la propia, sumadas a su búsqueda permanente por encontrar un sentido a la vida, la condujeron a la interpretación de temas únicos y distintos a los del movimiento encabezado por André Breton.
Varo se apropió de las herramientas del surrealismo utilizándolas irónicamente para cuestionar y revelarse contra algunos principios de este mismo. La doctrina surrealista era formulada en ausencia de las pocas mujeres que pertenecían y eran reconocidas por el movimiento. La imagen de la femme-enfant y su visión de la mujer: musa-catalizadora, comúnmente representadas por sus mayores expositores, eran declaraciones crueles de la relación de la existencia de creatividad en la mujer condicionada a su juventud e inocencia.
Las contradicciones ideológicas surrealistas no la detuvieron; como tampoco lo hicieron ni la guerra civil española, ni la persecución nazi, ni sus propios laberintos emocionales.
Remedios encontró a tiempo su camino y viajó en él para representar su mundo habitado por sueños, personajes híbridos, magia y hechicería; heredándonos su visión del poder creador y transformador de la mujer de su época.
Paradigmas Estéticos
on 7/12/09¿Qué es el pintoresquismo?
Un cambio de paradigmas que modificó la forma de ver el mundo.
De acuerdo a varios autores, es la “manera de pintar del autor”. El origen es italiano, la palabra original es pittoresco. El concepto cambió un poco al ser introducido en la cultura inglesa, en 1703, el “Oxford English Dictionary” definió en sus páginas la palabra picturesque como “a la manera de una pintura, que se ajusta a una pintura”. William Gilpin redefinió y amplió el concepto en un ensayo acerca de las Impresiones al decir que es “…un término expresivo de ese peculiar tipo de belleza, el cual va de acuerdo a una pintura”. Sin embargo, eso representa un laberinto de pasiones, puntos de vista y modos de ver la realidad como se supone que debería ser, aunque la verdadera “realidad” no sea como la pintan. Pasado un tiempo de maduración, se convirtió en una manera de atraer a la gente de dinero para ver un espectáculo que necesitaba verse de acuerdo a una forma de viajar, un género de volverse erudito fuera de las aulas, cosmopolita y aceptable por la realeza. En este momento de la historia, el reino de un grupo de gente en el poder era una clase aparte, eran el tipo de personas que supuestamente sabían y conocían los tesoros culturales del mundo.
Y si esas personas no sabían del mundo, entonces debían conocerlo a través de un viaje de conocimiento del acervo cultural socialmente aceptado para aquél mundo restringido a una Europa generadora de erudición y caudal de conocimientos varios.
Esa era la razón de ser de una ruta llamada “Grand Tour” (Gran Viaje o Gran Ruta), un trayecto de vistas citadinas panorámicas, estéticas, memorables y de esculturales sitios de especial atracción por ser lugares que generaban una realidad que, en cierta forma, se veía aburrida y ritualmente cotidiana por creer en los rígidos cánones establecidos gracias a la sociedad elitista de la época, que en gran manera era arrogante y segregacionista.
La corriente artística del pintoresquismo dictó dos vertientes que cambiaron la manera de ver al mundo, una era la forma de representar vistosa y espectacularmente un entorno, que de otra forma se vería simple y nada atractivo, de un lugar deliciosamente bello, apartado y esencialmente aburrido para una persona común, campirana y activa, por encarnar un rincón del pensamiento nostálgico, apartado de la gente que, se creía egoístamente, era no pensante o inferior. Un retiro escondido con piezas arquitectónicas generalmente en ruinas o deshabitadas, que era atractivo por el bello olvido, o por otra parte, fieramente resguardada para una admiración secreta por el ser ordenado y citadino. Un sitio especial al cual querían escapar esas personas que estaban atrapadas en la sociedad rígida y poco sociable de la época “Victoriana”, aunque la gente elitista de su momento se creía social y unida.
Y otra vertiente era la forma de describir un lugar de forma especial y elaboradamente detallada, que de otra manera sería común y simple. Donde lo “simple” representaba el olvido a la gente que no estaba cultivada lo suficientemente como para compartir una experiencia “sublime”. Eso era la meta límite de la experiencia del placer, que en teorías se explicaba desde la época Barroca, la diferencia entre placentero, bello (o hermoso) y lo sublime. Lo hermoso era simple y llano, suave y con una relativa atraccción para una sociedad que se había acostumbrado a los excesos, lo sublime era algo mucho más allá, se ubicaba en la frontera de lo que tenía el poder de asustar por superar las barreras sensoriales y estéticas de los humanos normales. La idea de ésta vertiente era crear una fantasía en papel para superar el rigor de las abundantes y elaboradas expresiones arquitectónicas de la época barroca. La cual había llevado los límites del ornamento a un extremo que resultó tedioso y exacerbadamente mecánico. Un dibujo o pintura de aquélla época barroca, representaba contrastes profusos de luz y sombra, con los obligados ornamentos de las construcciones o las vestimentas. Para finales de esa época, la gente empezaba a tener otros ideales. Se empezaba a gestar la corriente romántica.
La base del pintoresquismo era lo bello y lo sublime, aunque se debiera cambiar la realidad para ajustarla lo que se necesitaba ver en papel. Con algo más de tiempo, se convirtió en el romanticismo.
A partir de mediados del siglo XVIII, la idea de los paseos de disfrute escénico por el puro gusto del placer empezó a apoderarse de la clase acomodada inglesa. Gilpin se entregó a la tarea de retar la ideología asentada del conocido Grand Tour, mostrando cómo la exploración de la Bretaña rural podría competir con las clásicas giras orientadas a lo largo de la Europa Continental. La invitación era para visitar las ruinas irregulares anticlásicas, incluso la depauperada gente que habitaba los alrededores. Era un rompimiento con las reglas aceptadas tácitamente para cultivarse. La sugerencia era ver esa gente de lejos, a una distancia segura. Esos rincones “hechizados” se convirtieron en temas visuales muy buscados. Para sentirse en el ambiente correcto, la gente se llevaba consigo espejos entintados cuyo reflejo oscurecía la escena, además de darle el encuadre ya descrito en la guía “pintoresca”. La asociación de pintoresco la hizo Gilpin sobre el trabajo de Claude Lorrain, pintor paisajista cuyo trabajo se podía considerar sinónimo con lo pintoresco, eso se debía imitar, en palabras del autor inglés. Los turistas de élite eran considerados como cazadores de grandes presas, los cuales presumían de sus capturas salvajes, fijándolas en trofeos pictóricos para luego venderlos o colgarlos en sus estudios privados. El mismo Gilpin exclamó “¿podremos considerarlo como un placer mayor al que obtiene el [cazador] deportista al perseguir un animal trivial por el que adquiere un hombre de gusto al perseguir las bellezas de la naturaleza?”. Para el año 1815, después de la guerra, Europa ya estaba otra vez al alcance de la gente que buscaba bellezas sublimes y se abrieron nuevos campos en Italia para los cazadores del pintoresquismo. Ya no era la erudición de conocer grandes edificios importantes, era el placer de observar las bellezas naturales y vivir lo pintoresco, no solo hablar de él.
Los adinerados turistas pintorescos fueron alentados a reformar sus casas de campo para darles categoría de paisajes. Muchos propietarios rediseñaron sus jardines con líneas de vista irregulares, adornándolos con ruinas prefabricadas de estructuras clásicas. Los ordenados jardines de origen clásico o barroco se volvieron paisajes prefabricados de estilo natural. Con eso realmente se dio paso al estilo romántico. Hubo arquitectos que se dedicaron a rediseñar los jardines, les llamaron paisajistas.
Título del trabajo: Mimesis y vanguardia. Una reflexión sobre el concepto de representación en el arte.
Alumno: Jesús Cabrera
Objeto de estudio: El concepto de Mimesis como representación de lo real y su posible modificación a partir de la conceptualización de arte, tal y como fue entendida por las primeras vanguardias artísticas del siglo xx.
De esta manera, mi ensayo pretende contestar el problema de la representación como fue abordado por las vanguardias y hacer una reflexión sobre las modificaciones de dicho concepto desde su planteamiento original en la Poética de Aristóteles y ver si el mismo opera igual, de manera diferente o si las vanguardias erradican el concepto al romper con las formas de legitimación del arte.
Para lo anterior pretendo tomar por un lado, la teoría de la vanguardia como una construcción metodológica de la misma, a partir de Peter Bürguer, pues me interesa la incidencia de las vanguardias sobre el terreno político y artístico debido a que puede darse el caso de que cuando el arte mira a la sociedad, como lo hicieron las vanguardias, las formas de representación de la misma cambién puesto que la realidad vista desde esa óptica hace variar las posibles representaciones y puede ser también que entonces, el concepto de mimesis como representación de la realidad se mantenga intacto.
que siempre si hay más bitácoras
on 12/11/09Hola compañeros, les comento que la maestra Tullia indicó ayer al final de la clase que siempre si continuaremos entregando bitácoras hasta el día 19 de noviembre, así que no se confíen y háganla de una vez. jajaja, saludos
Martha
Alma Laura Pérez Monter
on 2/11/09
¿Los mapas son ciudades? [Eliana Patiño]
on 22/10/09
MAPAS PREFIG URBANO / LUIS PARRA
on 19/10/09
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mapa La mirada deslumbrante-Imelda
on 15/10/09
Compañeritos!! me dice Alma Laura que está en la escuela, que está cerrada toda el área gracias a los manifestantes, por lo que sugiere que lleguen en Metro, así que tomen previsiones de tiempo porque se puso de a peso la cosa en el centro.
Saludos a todos.
Informó para ustedes: Laura Roa.
jeje
MAPA LA MIRADA DESLUMBRANTE / LUIS PARRA
on 14/10/09
LECTURA DE OCTAVIO
on 4/10/09Compañeritos quien tenga la lectura de Octavio Mercado para ésta semana ¿la puede subir al blog?? gracias!!
Lau Roa.
Puntualizando Multimedia
la mirada deslumbrante-Alejandro Ruiz
on 29/9/09
PUNTUALIZANDO LOS MULTIMEDIA/ JESUS CABRERA
on 28/9/09
clases 24 septiembre
on 24/9/09Estimados alumnos de MCD INBA, hoy no puedo llegar a clases.
Les pido continuar con sus laminas de garabayos y de leer "Puntualizando la multimedia" de Benjamín Mayer.
También aprovechen y visiten el MUAC.
Por la proxima clase mismos materiales.
Gracias
BAT
Basado en los comentarios que me hicieron, he aquí la que podría ser la versión final, sobretodo espero que logre comunicar el mensaje que quiero.
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